COMO AGUA PARA CHOCOLATE. CINE Y GASTRONOMÍA

COMO AGUA PARA CHOCOLATE

Como agua para chocolate (1992)

México Color (Eastmancolor)

Lugar dentro de las 100 mejores películas del cine mexicano: 56

Una producción de:

Arau Films Internacional, Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), Fondo de Fomento a la Calidad Cinematográfica, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), Gobierno del Estado de Coahuila, Aviacsa, Fonatur y Secretaría de Turismo (SECTUR)

Duración:

143 min.

Sonido:

Dolby estéreo

Dirección:

Alfonso Arau

Asistentes de Dirección:

Manuel Hinojosa y Óscar Guarín

Producción:

Alfonso Arau; productores ejecutivos: Emilia Arau y Óscar Castillo; gerentes de producción: Óscar Castillo, familia Arau y Belinda Uriegas

Guión:

Laura Esquivel, basado en su novela homónima

Fotografía:

Emmanuel Lubezki y Steven Bernstein

Escenografía:

Emilio Mendoza, Ricardo Mendoza y Gonzalo Ceja; ambientación: Marco Antonio Arteaga, Mauricio de Aguinaco y Denise Pizani

Vestuario:

Carlos Brown

Maquillaje:

Julián Tejeda, con la colaboración de Robert Villafuerte y Sergio Espinoza; peinados: Lucero Esquivas y Aurora Sánchez

Edición:

Francisco Chiu y Carlos Bolado

Efectos Especiales:

Raúl Falquir; efectos ópticos: Manuel Sáinz y Francisco Rodríguez

Sonido:

Juan Carlos Prieto

Música:

Leo Brouwer; canciones: "Estrellita marinera", "Mi querido capitán", "Ojos de juventud", "Jesusita en Chihuahua", "Paso del norte", "Mi carro Ford" y "Estrellita"

Coreografía:

Farnesio de Bernal

Selección de Reparto:

Claudia Becker y Felipe Fernández

Reparto:

Regina Torné

mamá Elena

Lumi Cavazos

Tita

Marco Leonardi

Pedro

Mario Iván Martínez

doctor John Brown

Ada Carrasco

nana Nacha

Yareli Arizmendi

....

Rosaura

Claudette Maillé

Gertrudis

Joaquín Garrido

sargento Treviño

Pilar Aranda

Chencha

Margarita Isabel

Paquita Lobo

Farnesio de Bernal

cura

Arcelia Ramírez

narradora, bisnieta de Tita

Farnesio de Bernal

cura

Sandra Arau

Esperanza

Andrés García, Jr.

Alex Brown

David Ostrosky

Juan de la Garza

Rodolfo Arias

Juan Hernández

Regino Herrera

Nicolás

Genaro Aguirre

Rosalío

Brígida Alexander

tía Mary

Amado Ramírez

papá de Pedro

Socorro Rodríguez

amiga de Paquita

Rafael García Zuazua

padrino

Rafael García Zuazua, Jr.

Alex Brown, niño

Edurne Ballesteros

Tita adolescente

Melisa Mares

Rosaura niña

Gabriela Canudas

Rosaura adolescente

Natalia de la Fuente

Gertrudis niña

Beatriz Elías

Gertrudis adolescente

Rodolfo Mejía

Venerable maestro

Ricardo Mendoza

primer vigilante

Jaime R. Rodríguez

maestro masón

Osvaldo Martínez

maestro masón

Javier Mares

maestro masón

Miguel Mares

maestro masón

Jorge Vizales

maestro masón

Sinopsis:

Historia de amor y buena comida ubicada en el México fronterizo de principios de siglo veinte. Tita y Pedro ven obstaculizado su amor cuando Mamá Elena decide que Tita, su hija menor, debe quedarse soltera para cuidar de ella en su vejez. Enmedio de los olores y sabores de la cocina tradicional mexicana, Tita sufrirá largos años por un amor que perdurará más allá del tiempo.

Comentario:

Como agua para chocolate ha significado un fenómeno muy interesante dentro de la cultura mexicana contemporánea. La primera novela de Laura Esquivel obtuvo muy buenas críticas y un gran éxito de ventas, algo muy difícil de lograr en un país en el que la gente lee muy poco. Calificada como ejemplo del realismo mágico, la novela logró traspasar los límites de la mera curiosidad y colocarse como el libro de ficción más vendido en México en los últimos veinte años.

Su paso al cine fue producto de la buena suerte. Alfonso Arau -actor y director mexicano muy popular a principios de los setenta- se interesó inmediatamente en producir un filme basado en la novela de Esquivel. Al fin y al cabo ella no podía poner muchas objeciones, pues el interesado en filmar la historia de amor entre Tita y Pedro era su esposo. En los últimos años Arau no era muy popular en México, pues su carrera la había continuado en Hollywood, casualmente el lugar en donde hacer cine es algo de lo más común.

De esta manera llegó Como agua para chocolate el filme. Realizado con un presupuesto mucho mayor que el común para el cine mexicano, con técnicas cinematográficas hollywoodenses y con un gran sentido comercial. El resultado es un filme fiel a la novela original, excelentemente producido y, sobre todo, inteligentemente comercializado. Los diez Arieles otorgados a esta producción y el éxito internacional de la misma comprueban que Arau sabía muy bien lo que estaba haciendo.

¿Cuál fue la clave del éxito de Como agua para chocolate? Indiscutiblemente el filme posee muchos valores estéticos, pero esto no valdría de nada si no tuviera nada qué contar. El cine es un arte que narra historias visualmente. Para que el público se interese por una película, ésta debe contar con personajes interesantes que vivan un conflicto que mantenga la atención del espectador. Una buena historia es la clave principal para un buen filme.

¿Se puede conjuntar un éxito económico con un éxito a nivel artístico? Definitivamente la respuesta es sí. Desgraciadamente el cine mexicano se ha debatido en dos polos artificialmente opuestos: el cine comercial -barato y vulgar- y el cine de arte -pretencioso y aburrido. Los cineastas mexicanos de calidad han insistido en contarnos historias que no nos interesan, ya sea porque no se comprenden, o porque no tienen elementos que apelen a nuestra más elemental atención. Como agua para chocolate encontró el "hilo negro" del cine de éxito: una historia interesante, bien realizada y, no hay que olvidarlo, comercializada de manera inteligente.

Documentación:

Estela Rosales.

Otras películas dirigidas por Aráu:

Cachitos picantes

Como agua para chocolate (película)

Un paseo por las nubes

Zapata, el sueño del héroe

Dentro de la lista de las cien mejores novelas del mundo “Como agua para chocolate” fue incluida en el Proyecto Milenio instituido por el Secretario General de las Naciones Unidas en el año 2005. Fue llevada al cine por el mejicano Alfonso Aráu, en ese momento, esposo de Laura Esquivel. Es un intento muy nítido de trasladar la magia y el encanto de la escritura a las imágenes cinematográficas, para lo cual el director divide en capítulos el film en tanto ubica la acción durante la revolución mexicana en los primeros años del siglo XX.

"COMO AGUA PARA CHOCOLATE" (1992), DEL DIRECTOR MEJICANO ALFONSO ARÁU, ES LA PRIMERA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "CINE Y GASTRONOMÍA” QUE HA ORGANIZADO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. 

JUNTO CON LA “FIESTA DE BABETTE” (1987), QUE SERÁ PROYECTADA, DEL DIRECTOR DANÉS GABRIEL AXEL  CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE OBRAS DE ESTE ATRACTIVO Y CULINARIO PERFIL TEMÁTICO.

El film se proyectará el día sábado 26 de octubre a las 18 hs. en el auditorium de la Biblioteca Juan B. Alberdi, con entrada liberada

CINE Y REALIDAD. HAEVNEN. (EN UN MUNDO MEJOR)

"HAEVNEN" -2010- (En un mundo mejor), DE LA DIRECTORA SUSANNE BIER, ES LA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "CINE Y REALIDAD”  QUE SE ENCUENTRA ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. EL FILM SE PRESENTARÁ EL DÍA 28 DE SETIEMBRE EN EL AUDITORIUM DE LA BIBLIOTECA, A LAS 18 HS.

Película: En un mundo mejor. Título original: Hævnen. Dirección: Susanne Bier. País: Dinamarca. Año: 2010. Duración: 113 min. Interpretación: Mikael Persbrandt (Anton), Trine Dyrholm (Marianne), Ulrich Thomsen (Claus), Markus Rygaard (Elias), William Jøhnk Nielsen (Christian), Bodil Jorgensen (director del colegio), Elsebeth Steentoft (Signe), Martin Buch (Niels), Anette Stovebaek (Hanne), Kim Bodnia (Lars). Guion: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y Anders Thomas Jensen. Producción: Sisse Graum Jørgensen. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Morten Søborg. Montaje: Pernille Bech Christensen y Morten Egholm. Diseño de producción: Peter Grant. Vestuario: Manon Rasmussen. Distribuidora: Golem. Estreno en Dinamarca: 26 Agosto 2010.

Premios Óscar 2010: ganadora Mejor película extranjera

Premios Globo de Oro 2011: ganadora Mejor película extranjera

Festival de Cine Europeo de Sevilla 2010

“En un mundo mejor”, título que hace de traducción libre del original danés “Haevnen” -The Revenge- (La venganza), tiene varias vertientes conceptuales. Por un lado se interna en la descomposición emocional de una sociedad que se ocupa de mandar médicos a las empobrecidas sabanas africanas, con pueblos enteros devastados, arrasados, exterminados, etc., por la descomposición moral e institucional de sus gobiernos, servidores o siervos de los propios países europeos de los que reciben esa ayuda humanitaria. Por el otro, esa misma putrefacción se observa en la vida de la familia del nórdico medio, donde los sistemas educativos y los mecanismos institucionales de sus civilizaciones super desarrolladas fracasan a pesar de ser miembros de los mejores países del mundo. Cada vertiente o sustancial aspecto es tratado en la obra con maestría y enfoque crítico. Pero los verdaderos protagonistas del film son dos chicos. Niños que deben enfrentar con un notable esfuerzo las consecuencias indeseables de semejante descalabro, a pesar del bullyng, la violencia o las desintegración familiar a los que se ven sometidos. Los adultos sucumben, ellos deben aprender a discernir entre seguir el violento juego de la historia o poner la otra mejilla como acto de redención o perdón. Unos padres ausentes, sus contradictorias conductas; el mundo hostil en un ambiente cuasi bucólico de un pueblo rural danés frente a la grandeza del paisaje africano, pero  tremendamente agresivo y despiadado; la infancia de los niños africanos sacrificados antes de nacer, y la escuela del primer mundo entre discriminatoria y violenta; son el marco en el cual la directora narra con maestría esta historia llena de rencor, desconfianza, venganza e intentos de perdón, donde la ambigüedad, la duda y la desorientación marcan la formación ética, moral y social de los niños como esperanza de humanidad.

Susanne Bier despliega todo su saber hacer tras las cámaras para ofrecer un drama potentísimo, en un esfuerzo de dirección perfectamente defendido por un reparto poderoso y profundo.

Ulrich Thomsen, en el papel de Claus regresa con su hijo, William Johnk Nielsen, en el papel de Christian, a su pueblo natal, en Dinamarca, tras el fallecimiento de la esposa y madre. En la nueva escuela, el chico comienza a hacerse amigo de Elias (Markus Rygaard), hijo de Anton (Mikael Persbrandt) y Marianne (Trine Dyrholm), quienes se están divorciando, es la historia de este cuento de Susanne Bier, otrora figura del Dogma 95, y del cine danés, así como del melodrama europeo en general, recibió el Oscar hace unos meses gracias a esta película que marca, por un lado, su regreso a su país de origen, tras su paso por Estados Unidos con “Cosas que perdimos en el fuego” y, por otro, su abandono del género más trágico para centrarse en temáticas cómico-románticas más livianas con “All you need is love”.

Este film será exhibido en el auditórium de la Biblioteca Juan Bautista Alberdi, el día 28 de setiembre a las 18 hs. con entrada gratuita.

Punta Alta, setiembre de 2013

EL CINE CLUB DOS MIRADAS Y EL WESTERN: TEMPLE DE ACERO (TRUE GRIT)

TRUE GRIT (Temple de acero)

"TRUE GRIT" -1969- (Valor de ley o Temple de acero), DEL DIRECTOR HENRY HATHAWAY, ES LA TERCERA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "LOS GÉNEROS EN EL CINE: EL WESTERN”  QUE HA ORGANIZADO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON LA DILIGENCIA (JOHN FORD), Y HIGH NOON (FRED ZINNEMANN –A LA HORA SEÑALADA- (1952), YA PROYECTADAS, TEMPLE DE ACERO (1969), Y SU REMAKE DE LOS HERMANOS COEN (2010), CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE OBRAS DE ESTE PRIMORDIAL GÉNERO DEL CINE NORTEAMERICANO.

Ficha técnica:

Título original: True Grit

Año: 1969

Duración: 122 min.

País: Estados Unidos

Director: Henry Hathaway

Guión: Marguerite Roberts (Novela: Charles Portis)

Música: Elmer Bernstein

Fotografía: Lucien Ballard

Reparto:John Wayne, Glen Campbell, Kim Darby, Jeremy Slate, Jeff Corey, Robert Duvall, Dennis Hopper, Strother Martin

Productora: Paramount Pictures

Género: Western

Premios: Oscar (1969): Mejor actor (John Wayne). 2 nominaciones

Esta película es una adaptación de una novela de 1968 escrita por Charles Portis, que narra, nada menos, que el arreglo que realiza una adolescente de catorce años con un marshal (policía) adjunto, para realizar “un trabajo sucio” o sea vengar el asesinato de su padre en manos de un jornalero inescrupuloso y traidor. 

Dos aspectos se destacan del film, o de la novela, la figura de John Wayne (el marshal), quien representa o mejor simboliza, en medio de la conquista del oeste, la valentía, la “fuerza de carácter" –valor considerado primordial e imprescindible por la adolescente-, el coraje, la bravura, la audacia, etc., que se necesitan o se ponen en juego para poder llevar a cabo la tarea convenida, lo que es en definitiva: un asesinato por encargo,  y lo más curioso perseguido por una joven casi niña, venganza, que además, debe hacerla fuera de la ley. Si constituye una sátira o una ironía de una cruda y cruel realidad, si la narración a través de la voz de la muchacha la dota de una realismo tenso y atrapante, o si los diálogos reflejan, con cierto sarcasmo y pesimismo el estilo de vida de esos difíciles años de la conquista del oeste, sumados a una descripción casi periodística de los hechos que se van relatando, es evidente que es un espejo no sólo de las típicas caraterísticas del western, sus convenciones y rasgos particulares, sino además, sus imágenes, reflejan sustancialmente las condiciones en las se va desarrolando las historia, el extraordinario uso del paisaje, y la naturaleza de sus personajes. Todo esto, como indudable mérito no sólo de la novela en sí que tuvo muy buena repercusión, sino que además está sostenido por la pericia narrativa, casi artesanal, y el uso de una estética, o un lenguaje cinematográficos que pocos directores supieron comprender. Como obra, pasó a ser un típico clásico del western, expresó los valores primordiales del estilo de vida americano en gestación, y se constituyó en una clara manifestación del cine de Hollywood en su más inconfundible expresión.

En 2010, se realizó otra adaptación de la novela. También se llamó True Grit, fue escrita y dirigida por Joel e Ethan Coen y protagonizada por Hailee Steinfeld como Mattie Ross y Jeff Bridges como Rooster Cogburn. La película fue nominada a 10 premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Joel David Coen, Ethan Jesse Coen), Mejor Actor en un papel principal (Jeff Bridges), Mejor Actriz en un Papel de Reparto (Hailee Steinfeld), y Mejor Guion Adaptado (Los hermanos Coen). La película, sin embargo, no pudo ganar ningún premio.

Esta película se proyectará el sábado 31 de agosto, en el salón auditorium de la Biblioteca Alberdi, a las 18 hs.

HIGH NOON. A LA HORA SEÑALADA

A la hora Señalada

"High Noon" (Solo ante el peligro)

"HIGH NOON", DEL DIRECTOR FRED ZINNEMANN, ES LA SEGUNDA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "LOS GÉNEROS EN EL CINE: EL WESTERN”  QUE HA ORGANIZADO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON LA DILIGENCIA (JOHN FORD), YA PROYECTADA, HIGH NOON (FRED ZINNEMANN –A LA HORA SEÑALADA- 1952), TEMPLE DE ACERO (HENRY HATHAWAY, 1969), Y SU REMAKE DE LOS HERMANOS COEN (2010), CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE OBRAS DE ESTE PRIMORDIAL GÉNERO CINEMATOGRÁFICO.

Se proyectará en la Biblioteca Alberdi el sábado 10 de AGOSTO a las 18 hs.

Ficha Técnica:

Dirigida por Fred Zinnemann, escrito por Carl Foreman, basada en el cuento "The Tin Star" de John W. Cunningham, director de fotografía, Floyd Crosby, editado por Elmo Williams y Harry Gerstad, música de Dimitri Tiomkin, diseñador de producción, Rudolph Sternad, producido por Stanley Kramer, publicado por United Artists. Blanco y negro. 85 minutos: Duración. Año: 1952

CON: Gary Cooper (Will Kane), Thomas Mitchell (Jonas Henderson), Lloyd Bridges (Harvey Pell), Katy Jurado (Helen Ramírez), Grace Kelly (Amy Kane), Otto Kruger (Percy Mettrick), Lon Chaney (Martin Howe) y Henry Morgan (William Fuller).

Un dilema ético y moral. “High Noon” es un clásico. Por supuesto, es un clásico porque ha provocado que técnicamente fuera contada, la historia, con una simplicidad y llaneza narrativa casi imposible de creer. Y porque detrás de esa sencillez logra mostrar que este mundo está colmado de cobardes y matones a la hora de jugarse por el bien común. La película narra que en el momento justo de su casamiento, y ya casi con la jubilación en la mano, Will Kane, ex sheriff (alguacil) de un pequeño pueblo, se entera que un grupo de delincuentes que han dejado la cárcel, llegan para vengarse, ya que fue él quien los atrapó. El drama, contado con elementos inteligentemente usados, pictóricos y semánticos, logra un clima muy especial si tenemos en cuenta que Zinnemann utiliza el tiempo real y cronológico en la sucesión de los hechos durante lo que en realidad se vive en el film, o sea en el tiempo fílmico. Es la historia, en su duración real, de un hombre que asume su valentía como un valor, un destino o un objetivo que va más allá de sus intereses personales para enfrentarse ante el peligro, lo que entraña una decisión ética y moral no aceptada e incomprendida hasta por su propia esposa.  No está exenta de poesía este cuento ambientado en el lejano oeste. La música, los planos fijos del pueblo y los forajidos, el sonido y la imagen del reloj, la mítica figura de Gary Cooper, los distintos personajes, y hasta la pávida y asustadiza actitud de los pobladores, todo contribuye dramáticamente a hacer en 80 minutos una de las obras más interesantes dentro del “western”. Categoría cinematográfica considerada como el género por excelencia en el cine de Hollywood, por sus temas, sus hombres, su cuota de natural violencia, sus paisajes, sus héroes, y por sobre todo, por su contenido épico, formal y conceptual. La historia de la conquista del oeste, o, lo que es lo mismo, la historia de la ocupación territorial de un continente, por el hombre “blanco”, es la historia de un país, la expoliación y la supresión de sus aborígenes, y el modelo de la llamada civilización occidental y cristiana.

Esta película será proyectada en la Biblioteca Alberdi, por el Cine Club “Dos Mira-das”, en el ciclo “Los géneros en el cine: el western”, el día 10 de agosto a las 18 hs. La entrada es gratuita.

STAGECOACH. LA DILIGENCIA. UN WESTERN ESENCIAL

Stagecoach (La diligencia)

Ficha técnica:

Título original: Stagecoach (La diligencia)

Año: 1939

Duración: 99 min.

País: Estados Unidos

Director: John Ford

Guion: Dudley Nichols (Historia: Ernest Haycox)

Música: Varios (canciones populares americanas siglo XIX)

Fotografía: Bert Glennon (B&W)

Reparto: John Wayne, Claire Trevor, Thomas Mitchell, Andy Devine, George Bancroft, Donald Meek, Louise Platt, John Carradine, Berton Churchill, Tom Tyler, Tim Holt

Productora: United Artists

Género: Western

1939: 2 Oscars: Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell). 7 nominaciones

1939: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director

El western se inscribe en la máxima categoría de los géneros cinematográficos generados por la cultura norteamericana. A la vez que se lo considera uno de los más “inverosímiles” en términos estéticos. John Ford nos entrega veloces caballos, proezas en las acciones de extraordinarios actores, paisajes demasiado bellos, una diligencia que hasta para algunos críticos no podía existir en esos tiempos, pero historias llenas de contenidos que aluden a personajes cuya condición existencial es puesta en un estado de duda o bien transitan el cuasi religioso camino hacia el “destino manifiesto” en la que se asienta o se asentó la cultura de EE.UU. “La diligencia” en manos de John Ford es una obra casi mística sino fuera por sus rasgos épicos que sobrevaloró para alegría y felicidad del pueblo norteamericano, y por qué no del mundo occidental. Considerada una obra maestra dentro del género, y fuera también, Ford, junto con Orson Welles, Stanley Kubrick y algunos pocos más, está considerado un prodigio que como Chaplin, o Hitchcock, trascienden sus obras y su origen para ser, exagerando un poco, como dijo Bertolucci, casi un Homero del cine o del séptimo arte. Su concepción trágica de sus historias -más en el western-, sus personajes a contramano de las convenciones y las pautas morales de esa época, lo ubican como un precursor y un realizador muy especial. Esa diligencia es un símbolo, una metáfora, y se concentran sobre ella el origen, la épica y el destino de millones de norteamericanos.

Distintos personajes, de variada condición moral, social y cultural, y estamos hablando del lejano oeste, durante la conquista y colonización, como ser un delincuente resentido y ávido de venganza, una típica mujer de los burdeles del western expulsada por las autoridades civiles y eclesiásticas del pueblo, un incondicional y peligroso jugador de póker, la esposa embarazada de un miembro del glorioso ejército, un médico bebedor, y un sheriff, deberán contener la embestida de un malón de una tribu apache, en un contexto donde las relaciones interpersonales, con los matices propios de individuos conflictivos y de dudosa integridad ética y moral, es el escenario, aislado y abandonado a su propia su suerte de esa lucha titánica frente a la adversidad.

Como en algún momento dijo Borges, “el western es la última forma de la épica”, por supuesto refiriéndose y comparándolo a los héroes mitológicos de la épica griega y de la literatura posterior.

“Todo esto, por supuesto, cubierto o protegido por un tinte religioso que nos remite a las posturas más ortodoxas y fundamentalistas de las creencias musulmanas que tanto critica y denosta el “American Self-Made Men” invocando el “American Dream”, la libertad y la justicia del mundo occidental. La moral super burguesa, las posturas liberales, la hipocresía en las relaciones matrimoniales, “el destino manifiesto”, la religiosidad dominguera, la maquinaria o el complejo bélico-industrial, y los códigos de conducta y prohibiciones a todo aquello que signifique romper con esa moralina, son y fueron los resortes a los cuales se apeló para la imposición y el dominio de sus valores y creencias, asentadas en un manejo bíblico del destino, una “temible” esperanza en la realización de un país joven y poderoso junto con la destrucción de todo aquello que encarne la inminente llegada del Apocalipsis. Eso ha sido y seguirá siendo el genio y la inteligencia de un cine que si bien invoca los ideales perdidos, o la pérdida de las ilusiones, no es ni más ni menos que la lucha inclaudicable por la defensa irrestricta de un estilo de vida y la conservación de sus bienes por sobre todas las cosas.” (Cine en Punta)

MONSIEUR LAZHAR. Una pequeña obra maestra

"MONSIEUR LAZHAR", DEL DIRECTOR Y ESCRITOR PHILIPPE FALARDEAU, ES OTRA PELÍCULA QUE SE PROYECTARÁ EN EL CICLO "EL TEATRO Y EL CINE”  QUE ESTÁ ORGANIZANDO EL CINE CLUB “DOS MIRADAS” EN LA BIBLIOTECA JUAN B. ALBERDI Y EL AUSPICIO DE SEGUROS RIVADAVIA. JUNTO CON CARNAGE (ROMAN POLANSKI) Y LE PRÉNOM (ALEXANDRE DE LA PATELLIÈRE Y MATTHIEU DELAPORTE) -AMBAS YA PROYECTADAS-, CONSTITUYEN MAGNÍFICOS EJEMPLOS DE ADAPTACIONES DE OBRAS DE TEATRO AL CINE.

Se proyectará en la Biblioteca Alberdi el sábado 06 de julio a las 18 hs.

“A todos los maestros, a todos los alumnos, y a todos los demás. 

Si tuviera cierta maestría en lo que fuera, sería maestra, de música, por ejemplo, o de escuela, o de otra cosa. 

Entonces me dedicaría hasta dejarme la voz, porque tendría tantas cosas para enseñar antes de que fuera la hora, hablaría de prisa por miedo de aburrir a los alumnos, intentaría hacer broma, porque me perdonarían por obligarlos a estar sentados. 

A veces temblaría ante la idea de tanta responsabilidad, ante la simple idea de poder destrozar para siempre una gran historia de amor entre un niño y el aprendizaje, por poco que me mostrara impaciente, irritable o indiferente. Si, a pesar de todo, una mañana que estuviera cansada, debiera cerrar los ojos ante una herida abierta, si tuviera que romper un sueño o una ambición con mi simple palabra de maestra, no lo superaría. 

Otras veces no me vería con corazón ante la enormidad de la tarea, tendría ganas de poner la cabeza sobre la mesa y confesar a los alumnos que no domino nada y mucho menos la situación, y ellos mirarían mi triste espectáculo, con pena e impotencia. Prefiero decirle que sin duda sería una muy mala maestra, y esta es una de las razones que me han llevado a escribir este tipo de homenaje. 

Con toda mi admiración,”

Evelyne de la Chenelière

(Montreal, Quebec, 1975)

Evelyne de la Chenelière es autora y actriz. Ha escrito numerosas piezas teatrales que han sido montadas tanto en Quebec como en el extranjero y traducidas a varias lenguas. Sus textos (Desde Fraiser en janvier, Au bout du hilo, Henri & Margaux, Afrodita en 04, la Heritage de Darwin, Bashir Lazhar o Le plan américain, entre otros) muestran que su creación es una meticulosa observación de la naturaleza humana. En 2006 recibió el Prix littéraire du Gouverneur général por la recopilación titulado Désordre público. Evelyne de la Chenelière surgió del Nouveau Théâtre Expérimental, donde colaboró a menudo con el malogrado Jean-Pierre Ronfard. Trabaja regularmente con Daniel Brière.

Ficha técnica:

Título: Profesor Lazhar

Dirección: Philippe Falardeau

Producción: Luc Déry, Kim McCraw

Guion: Philippe Falardeau

Basada en: “Bachir Lazhar” de Évelyne de la Chenelière

Música: Martin Léon

Fotografía: Ronald Plante

Montaje: Stéphane Lafleur

Protagonistas: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Danielle Proulx, Brigitte Poupart, Jules Philip

Datos y cifras

País: Canadá

Año: 2011

Duración: 94 min.

Idioma: francés

Productora: Micro_Scope

Premios Oscar 2011: candidata a mejor película extrajera

Otros premios

Festival de Locarno 2011 : premio del público y premio de la crítica otorgado por los periodistas de Variety

Festival de Toronto 2011 : mejor película canadiense

Festival Internacional del Cine Francófono de Namur 2011: premio Especial del Jurado y premio del Público

Festival de Cine Internacional en Abitibi-Témiscamingue 2011: gran premio Hydro-Québec y premio Comunicación y Sociedad

Festival de Cine Francófono en Acadia 2011: La vague de coup de cœur

Semana Internacional de Cine de Valladolid 2011: Mejor guion, Premio de la Crítica Internacional y Mención especial Diversidad Cultural

“Monsieur Lazhar” es una adaptación, realizada por Philippe Falardeau, de la obra de teatro escrita por Evelyne de la Chenelière, una autora canadiense nacida en 1975, titulada “Bashir Lazhar”, nombre del profesor argelino que de pronto irrumpe en la escuela para ocupar el cargo de un docente muerto unos días antes. 

Según el jurado del Festival de Cine de Toronto, es "una película que explora la pérdida, el exilio y las verdades que no decimos a nuestros hijos."

Los alumnos del 6º grado aún se encuentran procesando la desaparición de su maestro cuando Bashir, presunto profesor, con métodos propios, asume el duelo tratando de lograr apaciguar el dolor que paraliza a las autoridades y a los chicos. Pero, a su vez, su propio dolor, ya que se encuentra tramitando su calidad de refugiado, emerge de entre ese contexto emocional tan complejo, para encontrar la forma o el modo de encarar semejantes problemáticas. 

Tanto la obra de teatro como el film irradian dulzura y comprensión. El profesor realiza un trabajo de profunda elaboración emocional ya que es su propia experiencia la que le va dictando el camino de la transformación hacia los verdaderos vínculos que le permiten sobrellevar su difícil relación con los alumnos y las autoridades de la escuela. Especialmente con los chicos ya que se asienta en la concepción de que la escuela se constituye en un segundo hogar, y la muerte o la desaparición de un docente, aparentemente muy querido, puede resultar una situación de dificultosa resolución como el fallecimiento de un ser querido. En ese sentido Bashir, solo y desprotegido en un país extraño, Quebec, Canadá, debe afrontar un doble desafío y pone a prueba su integridad y su firme resolución frente a tanta adversidad. 

Cabe resaltar que la pieza teatral fue concebida para un monólogo, pero el realizador demuestra manejarse con suma soltura y delicadeza con su cámara en ese contexto tan incierto y dudoso como es el aula de pequeños actores tan propicios para la demagogia o el facilismo del “carpe diem” con que otras producciones mostraron en otros ámbitos del cine occidental la relación entre maestro y alumno.

El Cine Club “Dos Miradas”, de la Biblioteca Alberdi, exhibirá este film el día 06 de julio a las 18 hs. La entrada es gratuita.

RASHOMON. CUATRO HOMBRES EN PUGNA

RASHOMON Y EL CINE DE AKIRA KUROSAWA

“Rashomon”, del director japonés Akira Kurosawa, será la tercera y última película que se proyecte en el ciclo “El cine de Akira Kurosawa” que se encuentra organizando el Cine Club “Dos Miradas” en la Biblioteca Juan B. Alberdi y el auspicio de Seguros Rivadavia en el segundo trimestre de 2013.

Ficha técnica:

Fecha de estreno inicial: 25 de agosto de 1950

Director: Akira Kurosawa

Fotografía: Kazuo Miyagawa

Historia creada por: Ryūnosuke Akutagawa

Reparto: Toshirō Mifune, Takashi Shimura, Machiko Kyō, y sigue

Guion: Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa

Recibió el Oscar a la mejor película extranjera en 1951. Y el León de Oro en 1950.

Dos cuentos concebidos por Ryunosuke Akutagawa se fusionan magistralmente en 1950 en esta obra maestra de Akira Kurosawa, "Rashomon", un cuadro destinado a ser clasificado eternamente junto a las mejores películas de todos los tiempos. Al igual que "12 Angry Men" (Doce hombres en pugna), es el tipo de relato cuya moral, universalmente relevante, puede ser adaptado innumerables veces, y aún conservan su poder en su totalidad.

La historia transcurre en el Japón del siglo XII, cuando, bajo el portal de un antiguo templo llamado Rashomon se refugian, durante una intensa lluvia, tres hombres y relatan acontecimientos transcurridos, no hace mucho tiempo, en el bosque donde se cometió un asesinato y una mujer fue violada. Kurosawa narra las distintas versiones de lo sucedido, mientras describe los aspectos psicológicos y morales de los personajes, y del hecho, a la vez que muestra la época medieval de un país tan peculiar donde prevalece el egoísmo y la desconfianza.

Aunque "Rashomon" podría ser considerado un relato imbuido de cierta amoralidad, ya que constituye un crimen horrendo tomado de diferentes ángulos, son las revelaciones que se producen a través de las perspectivas siempre cambiantes lo que permite a los jueces (y a los espectadores) encontrar la iluminación. Algunos críticos lo ven como una versión inteligente y convincente del cuento clásico que evoca la majestuosidad visual de Kurosawa en sus composiciones pictóricas.

Rashomon es el nombre de la entrada a la ciudad de Kyoto, y describe el ambiente medieval de la película que llevó al director Akira Kurosawa al reconocimiento internacional. El concepto de que el narrador no fiable existe, en lo que respecta a la verdadera naturaleza de la verdad, no fue apreciado por los seguidores de Kurosawa, ni tampoco su introducción de la cobertura multicámara. Es la sólida concepción de la forma de narrar en la adaptación de estos cuentos lo que evoca la maestría del realizador y el manejo prístino de sus valores y aspectos cinematográficos.

Diseccionar la historia en sus múltiples perspectivas, someterla a consideraciones culturales, psicológicas y morales, a pesar de que transcurre en el medioevo japonés, le da una relevancia contemporánea de indudable valor, lo que aumenta aún más su compromiso con la realidad y el mundo de postguerra.

Considerado también un thriller psicológico revolucionó el lenguaje cinematográfico e introdujo una nueva estrella con el nombre de Toshiro Mifune al cine del mundo occidental.

La proyección de “Rashomon” de Akira Kurosawa, en la Biblioteca Alberdi será el 22 de junio a las 18 hs. y entrada liberada.